El Land Art, o en español “El Arte de la Tierra”, considera al paisaje natural como un lugar de encuentro, un medio que sirve de contexto para albergar obras de arte, transformándolo en escenarios que a la vez inspiran, enmarcan y justifican la creación artística. En este artículo, abordaremos todo lo que hace tan interesante y profundo a este estilo de arte.
¿Qué es el Land Art?
El Land Art, también conocido como Earth Art (“Arte de la tierra” en español) o Earthworks, se refiere a un tipo de arte donde las obras son situadas en la propia naturaleza, en lugar de una galería o un entorno de arte “tradicional”. Los artistas de Land Art usan paisajes naturales para crear obras específicas del sitio que se relacionan con los lugares en los que se encuentran. A menudo se crean en lugares remotos para enfatizar el poder y la belleza de los espacios naturales, trabajando con la tierra circundante para invitar al público a considerar todo el entorno como parte de la obra de arte.
El Land Art a menudo se realiza con materiales naturales como la tierra, rocas y árboles. Dichas elecciones se hacían según lo que estaba disponible en los sitios específicos de los proyectos, a veces junto con materiales hechos por el hombre como el metal y el hormigón. Por lo general, este tipo de arte cae en una de dos categorías: esculturas ambiciosas a gran escala en áreas remotas, u obras que son deliberadamente efímeras, compartidas con el público a través de documentación (como, por ejemplo, fotografías o películas). Algunas de las obras permanentes se han dejaron deliberadamente expuestas a la intemperie a modo de exhibición. Esta efímera y posible desintegración también los separó del arte convencional, que estaba protegido en galerías controladas.
Si bien el Art Land está inherentemente conectado con el medio ambiente, este tipo de arte no se considera estrictamente un sinónimo del arte ambiental. Ya que este tiene sus raíces en el sitio para el que se creó, llamando la atención sobre el entorno que lo rodea, a diferencia de las piezas interiores o transportables que incluyen elementos naturales y pueden generar problemas ambientales o sociales.
Historia del Land Art
Si bien el marco del Land Art tiene sus raíces en varios ejemplos de la historia del arte, incluido Stonehenge en el Reino Unido y las pirámides en Egipto, el movimiento moderno comenzó en la década de 1960, con muchos artistas a partir del arte conceptual y el minimalismo.
Uno de los primeros ejemplos específicos de Land Art es el diseño de 1941 del artista japonés-estadounidense Isama Noguchi llamado “Contoured Playground”. El artista utilizó “modulaciones de la tierra” en su obra para imaginar un patio de juegos para niños. Time Landscape de Alan Sonfist, que colocó un bosque precolonial en el centro de Nueva York para imaginar cómo se veía la ciudad antes de la urbanización, también fue muy influyente.
Origen del Land Art
Se dice que el Land Art como movimiento establecido surgió en los Estados Unidos, como parte de una férrea búsqueda de la protección del medio ambiente y como un medio para el activismo político centrado en la rebelión y la liberación. Muchos artistas hicieron obras que protestaban por una sociedad cada vez más contaminada e industrializada, así como por el mercado del arte fuertemente comercializado.
Los artistas comenzaron a volverse hacia el mundo natural, que reflejaba una forma de vida más simple y menos comercial, fuera de las limitaciones del consumismo. Mientras que otras obras de arte se transportaban y se vendían con fines de lucro, estas instalaciones a gran escala en cambio obligaron al público a viajar a áreas rurales remotas para verlas.
Los artistas de la tierra estadounidenses a menudo tenían acceso a grandes cantidades de tierra, lo que daba la posibilidad de desarrollar obras específicas en varios paisajes como desiertos, praderas y montañas. Los artistas de Land Art se sintieron especialmente atraídos por los vastos espacios vacíos del oeste americano, como la meseta de Colorado o el Gran Lago Salk de Utah. Las áreas también se eligieron por razones específicas, como la decisión de Robert Smithson de usar sitios dañados para sus obras para sugerir renovación y renacimiento, o la elección de Walter de Maria del condado de Catron en Nuevo México, un sitio de frecuentes tormentas eléctricas.
Land Art en otros países
Mientras tanto, en el Reino Unido, artistas como Richard Long eran conocidos por explorar cómo el cuerpo se relacionaba con la naturaleza. El teórico cultural, paisajista e historiador de la arquitectura estadounidense Charles Jencks también fue muy conocido en Gran Bretaña, ya que ha creado enormes entornos escultóricos interactivos como “Landform” en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno y “Cells of Life” en Jupiter Artland.
Considerado como uno de los períodos artísticos más experimentales dentro del arte occidental, el completo rechazo del Land Art a los espacios de arte tradicionales ayudó a definirse como una práctica artística legítima. Land Art desafió las definiciones establecidas de arte y cuestionó su existencia como algo que simplemente se ve y se vende para obtener ganancias.
Características y conceptos del Land Art
Dentro del movimiento del Land Art, se enfatizó la idea de lo efímero en cada obra de arte que se creaba. La mayor parte del arte terrestre que existía no se centraba en la belleza y los elementos estéticos previamente asociados con el arte, ya que estas obras se hicieron para resaltar el rechazo del movimiento a la mercantilización del arte. Así, la principal característica del Land Art era que las obras se alejaban de los principales lugares de exhibición, ya que las esculturas se construían en lugares remotos y casi inaccesibles para el público en general.
El Land Art ha influenciado también el trabajar fuera de los límites del mercado del arte cada vez más comercial, ya que los artistas optaban por crear obras desconcertantes que no podían comercializarse ni venderse como un objeto. En consecuencia, el Land Art se caracterizó por su naturaleza transitoria, ya que se esperaba que los materiales utilizados en las obras se descompusieran, se derritieran, se marchitaran o se desmoronaran, lo que esencialmente limitaba que las obras de arte siguieran siendo temporales.
El uso de la fotografía
El uso de la fotografía para capturar estas obras distanció aún más al Land Art de movimientos anteriores de Arte Conceptual, ya que la toma de instantáneas existía como una característica clave dentro del movimiento. Sin fotografías, no habría pruebas para demostrar la existencia de las obras de Land Art, y los artistas a menudo presentan solo la fotografía en galerías de arte y museos. Sin embargo, estos espacios de visualización tradicionales explotaron la necesidad del uso de cámaras para documentar estas obras, lo que reintrodujo un elemento comercial conflictivo en las esculturas.
Si bien el elemento clave de Land Art fue a menudo su majestuosidad y ubicación en un contexto específico, la preparación y fotografía de las ideas y los resultados finales fueron igualmente importantes. Esto permitió que este arte de movimientos de tierra se exhibiera en galerías a pesar de que el trabajo existía en lugares separados y remotos. Así, se creó un vínculo entre las obras de arte y sus fotografías, ya que el público dependía de este medio bidimensional para expresar la monumentalidad de las esculturas.
Uso de materiales naturales
Otra característica esencial del Land Art era que las esculturas y las instalaciones estaban hechas de materiales naturales que a menudo se encuentran en el sitio de desarrollo. Además, estas obras de arte con frecuencia se realizaban al aire libre en varios entornos para interactuar con la naturaleza de diferentes maneras. Al igual que la introducción del “arte encontrado” en la sociedad artística, el Land Art cambió la definición de lo que podría ser una obra de arte, ya que amplió los límites del mismo debido a los materiales y lugares elegidos.
Land Art como medio de protesta social
El Land Art fue capaz de rechazar con éxito los museos y las galerías como lugares aceptados para albergar y ver la producción artística, ya que el período de protesta social y agitación política durante las décadas de 1960 y 1970 impulsó el movimiento. Además de esto, el surgimiento del movimiento ecológico actuó como una influencia importante para el posterior desarrollo y éxito del Land Art. Ambos movimientos descartaron el urbanismo y sus elecciones de vida relevantes en favor de una visión utópica de la Tierra, que veía al planeta como el hogar definitivo de los humanos.
A lo largo del movimiento Land Art, el espíritu detrás de algunos de los elaborados proyectos pivotó, a pesar de que todas las instalaciones mostraban un gran aprecio por la meditación de largos períodos de tiempo y un sentido crucial de la aventura. Esto se mostró en el arte que se creó en la naturaleza y se dejó decaer y desgastarse en su propio tiempo de acuerdo con su propio plan.
Land Art “en el sitio” y “fuera del sitio”
En cuanto a la clasificación de los tipos de Land Art que existían, las obras se podían dividir en “En el sitio” y “Fuera del sitio” según las diferencias teóricas que existían en torno al contexto físico de la obra. Los trabajos “en el sitio” generalmente se referían a piezas de arte que eran específicas del lugar, lo que significa que solo existían en un sitio en particular, ya que estaban inextricablemente conectadas a sus cimientos al aire libre. Las piezas “fuera del sitio”, en cambio, se referían a obras que eran piezas de interior, ya que denotaban obras de arte que podían ubicarse y exhibirse en el marco de una galería.
Sin embargo, tanto las obras “En el sitio” como las “Fuera del sitio”, independientemente de cómo se etiquetaron y dónde se vieron, existieron como movimientos de tierra debido a la entropía de los materiales que se utilizaron para crear las piezas.
Si bien los artistas creían que la preservación del arte en entornos como las galerías existía como un acto de arrogancia, ya que las obras perderían su significado original, muchos artistas tuvieron que adaptar sus ideas después de la recesión que azotó a mediados de la década de 1970. Por lo tanto, muchos artistas de Land reorientaron su producción artística para acomodar espacios formales y de galería.
Artistas y obras de Land Art
A lo largo del movimiento Land Art, artistas notables crearon muchas obras famosas. Algunos de estos conocidos “artistas de la tierra” se enumeran a continuación, junto con sus obras icónicas que definieron este estilo de arte.
Roberto Smithson
Uno de los artistas terrestres más destacados, Robert Smithson, creó su famosa obra “Spiral Jetty” en la costa noreste del Gran Lago Salado de Utah en abril de 1970. Smithson usó más de 6000 toneladas de rocas de basalto negro y tierra del sitio para hacer una espiral de 450 metros de largo que girara en sentido contrario a las agujas del reloj. Con el tiempo la espiral ha cambiado, mostrándose sumergida en el agua o en tierra firme a medida que el lago se expande y se contrae.
Smithson también fue particularmente conocido por las obras como “Broken Circle/Spiral Hill” en 1971 y “Amarillo Ramp” en 1973.
Agnes Denes
Con una amplia carrera que abarca más de cinco décadas, Denes fue un artista pionero en muchos campos. Creó lo que se considera una de las primeras obras de arte públicas en comprometerse con las preocupaciones ecológicas en la década de 1960, incluida “Rice/Tree/Burial” en 1968.
Una de sus obras más famosas es “Wheatfield – A Confrontation” de 1982, un campo de trigo dorado creado en el bajo Manhattan sobre dos acres de vertedero lleno de escombros, en lugar de hacerlo en un lugar remoto. La artista limpió el área, la cubrió con más de 200 camiones cargados de tierra vegetal y plantó las semillas a mano antes de instalar un sistema de riego para incentivar el ciclo de crecimiento del trigo durante cuatro meses. A principios de otoño, Denes cosechó más de mil libras de grano, que viajaron a 28 ciudades de todo el mundo.
El trabajo de Denes es a la vez accesible y de mentalidad ecológica. “Wheatfield”, junto con su trabajo posterior: “The Living Pyramid” (2015), una construcción cubierta de hierba en un parque de Queens, o “A Forest for Australia” (1998), la reforestación de un sitio de tratamiento de agua australiano, no fueron expresiones solitarias entre artista y entorno, sino más bien una especie de oferta pública.
El trabajo de Denes trata sobre cómo miramos la tierra misma, en lugar de un intento de dejar su huella en ella, lo cual, a medida que industrializamos nuestro planeta a expensas de su habitabilidad, se siente como algo correcto.
Nancy Holt
Esposa de Robert Smithson y pionera por derecho propio, Nancy Holt era conocida por sus esculturas públicas, instalaciones artísticas y Land art. Sus obras posteriores fueron creadas para rastrear las posiciones del sol, la tierra y las estrellas, y para relacionar estos elementos celestes con un punto fijo en la tierra.
Su obra más famosa es “Sun Tunnels”, que consta de cuatro enormes túneles de hormigón (de 5,5 metros de largo y 2,7 metros de diámetro) colocados en forma de X. Los espectadores pueden entrar en estos túneles y ver perfectamente el amanecer y el atardecer durante los solsticios de verano e invierno. Se pueden ver desde más de 2 km de distancia, brindando refugio en un tramo árido del desierto de Utah, mientras que dentro de cada túnel se perforan pequeños agujeros que forman las constelaciones de Draco, Perseo, Columba y Capricornio. Estos agujeros permiten que la luz del día entre en los túneles oscuros, proyectando constelaciones sobre el hormigón oscuro.
También es conocida por la obra “Up and Under”, una serie de túneles alineados en relación con la Estrella Polar en una antigua cantera de arena en Finlandia.
Walter de María
Walter de Maria utilizó formas geométricas para crear una serie de repeticiones en sus esculturas, instalaciones y Land Art.
Su trabajo terrestre más famoso, “Lighting Field” (1977), es una cuadrícula de una milla por un kilómetro instalada en el desierto de Quemado, Nuevo México. La rejilla contiene cuatrocientas varillas de acero inoxidable, cada una de más de seis metros de altura y diseñadas para atraer rayos. Los visitantes pueden reservar viajes nocturnos al sitio de mayo a octubre, una vez allí, pueden caminar dentro de la cuadrícula o mirar desde lejos.
Todo cambia con el paso del tiempo en el paisaje inmóvil pero dinámico, las fluctuaciones de la luz solar hacen que los polos parezcan invisibles cuando no arden con llamaradas de fuego de color amarillo y naranja. Ya sea que los relámpagos puedan o no sentirse fuera del punto de una experiencia que no es menos maravillosa sin ellos, y aventurarse de nuevo en el mundo al final de una estadía que puede cambiar a una persona.
Richard Long
Long es conocido por trabajar con rocas, barro y moverse mucho en el proceso. “A Line Made By Walking” de 1967 documenta un trabajo que creó mientras caminaba de un lado a otro por el mismo camino cerca de Bristol. Mientras que Dusty Boots Line de 1988 lo vio patear piedras en el desierto del Sahara para despejar un camino. Su objetivo era enfatizar la experiencia de la naturaleza junto con el tiempo que implica crear arte, al mismo tiempo que dejaba una huella en la tierra que volvería a desaparecer en unas horas, haciendo que la obra fuera imposible de comercializar.
“Hacer arte solo caminando, o dejando huellas efímeras aquí y allá, es mi libertad. Puedo hacer arte de una manera muy simple, pero a gran escala en términos de millas y espacio”, decía el artista.
Ana Mendieta
Pionera en explorar cómo el cuerpo se relaciona con la naturaleza, la artista cubana Ana Mendieta creó su serie “Silueta” entre 1973 y 1980 al incrustar físicamente su cuerpo en el paisaje. Se cubriría con materiales como flores o plumas y se hundiría en el suelo hasta dejar su marca, utilizando paisajes como playas, sitios arqueológicos y más.
Maya Lin
Maya Lin se hizo conocida por primera vez por ganar un concurso para diseñar el Monumento a los Veteranos de Vietnam (un muro en forma de V que corta el paisaje circundante) en Washington DC cuando aún era estudiante de último año en la Universidad de Yale. Su pieza más grande es “Storm King Wavefield” de 2008; una serie de colinas ondulantes que cubren más de 11 acres del Storm King Art Center. Estas estructuras onduladas de tierra y pasto varían de 3,65 a 5,5 metros. Si bien intimidan desde lejos, de cerca se pueden encontrar cubiertos de flores, pastos cortos, mariposas y abejas.
Michelle Estuardo
Después de ayudar al muralista Diego Rivera en la década de 1950, Michelle Stuart se alejó del arte político y se acercó a la tierra. Algunas de sus obras más famosas son sus grandes rollos de papel. Frotó meticulosamente papel y muselina de algodón en la tierra, dejando residuos en el material, para crear ‘dibujos’ que obtuvieron sus colores y texturas del suelo mismo. Los ejemplos incluyen “Sayreville Strata Quartet” (1976), utilizando arcilla roja de Sayreville, Nueva Jersey.
Uno de los otros trabajos notables de Stuart fue “Niagara Gorge Path Relocated” (1975), donde desplegó un pergamino de 460 pies de largo por un desfiladero en Nueva York, donde las Cataratas del Niágara habían fluido en el momento del último glaciar aproximadamente 12,000 años antes.
Michael Heizer
Conocido por sus obras a gran escala, Michael Heizer se convirtió en una figura destacada del movimiento Land Art a fines de la década de 1960. En 1970, creó el “Dibujo de desplazamiento plano de superficie circular” conduciendo una motocicleta por el lecho de un lago desierto seco para dibujar una serie de círculos que medían alrededor de 900 por 500 pies, que desaparecieron con el tiempo.
Una de las obras más famosas de Heizer es “Double Negative” de 1969, que consiste en un enorme cañón artificial a 80 millas al norte de Las Vegas y donde cortó 240.000 toneladas de riolita y arenisca de los acantilados en los bordes orientales de Mormon Mesa, Nevada, y documentó la creación de este espacio negativo en fotografías que luego se exhibieron.
Dennis Oppenheim
Dennis Oppenheim buscó romper con las formas tradicionales de escultura y, en cambio, utilizó la forma para hacer preguntas. Una de sus obras más famosas fue “Anillos anuales” de 1968. Excavaba caminos circulares en la nieve, que reflejaban los anillos anuales del tronco de un árbol, en una vía fluvial congelada que divide Estados Unidos y Canadá, que también divide sus husos horarios. También es bien conocido por trabajos como Cosecha dirigida.
Christo y Jeanne-Claude
Christo y Jeanne-Claude eran un dúo de artistas casados, con el objetivo de transformar completamente los paisajes en nuevos entornos y formas. Su obra monumental “Wrapped Coast” (1969) vio una milla y media de la costa de Sydney envuelta en metros de tela y cuerda. La producción tomó 17.000 horas durante cuatro semanas, y este concepto se repetiría muchas veces (más recientemente en el Arco del Triunfo). Otras obras notables incluyeron “Valley Curtain” (1970-72), “Running Fence” (1972-76) y “Surrounded Islands” (1980-83).
Carlos Ross
Charles Ross utiliza la luz solar y la luz de las estrellas como fuente de su arte, creando prismas para proyectar el espectro solar en diferentes espacios. La infame obra “Star Axis” (que se inaugurará en 2025) es tanto una escultura como un observatorio astrológicamente alineado en Nuevo México. Todas las formas y ángulos de Star Axis están determinados por alineaciones de tierra a estrella; están integrados en la escultura para que los espectadores puedan experimentarlos a escala humana. La construcción comenzó en la década de 1970 y, una vez abiertos al público, diferentes túneles y cámaras mostrarán diferentes alineaciones.
Lita Alburquerque
En los años 70 y 80, Lita Albuquerque era conocida por sus dibujos efímeros con pigmentos, que instalaba en todas partes, desde el desierto de Mojave hasta las Grandes Pirámides de Giza. Creó la primera gran obra de arte específica de un sitio en la Antártida, “Stellar Axis”, en 2006. Constaba de 99 esferas azules que correspondían en tamaño y ubicación a las estrellas de arriba en el momento de la instalación. En el transcurso de la instalación, la tierra giró, cambiando la alineación entre las esferas y las estrellas, y marcando el paso del tiempo y el espacio.
Alice Aycock
Alice Aycock comenzó a crear Land Art a principios de los 70, atravesando paisajes con complejos túneles, pozos y laberintos. Se invitó a los espectadores a escalar a través de espacios oscuros, creando tanto miedo como emoción. Una de sus obras fundamentales fue “Low Building with Dirt Roof (For Mary)” de 1973, construida en la granja de su familia. Parecida a una casa parcialmente enterrada, la estructura se elevaba del suelo, bajo un techo de plantas que hacía juego con los cultivos de los campos circundantes. Para experimentar completamente el trabajo, los espectadores tenían que acostarse en un pequeño entrampamiento, acercando sus cuerpos lo más posible a la tierra.
Beverly Buchanan
Dedicada a la creación artística que abordó el carácter y la historia del sur de Estados Unidos, la obra “Marsh Ruins” de Beverly Buchanan de 1981 se ubicó en los pantanos de Glynn de Georgia. El sitio estaba cerca de la isla de St. Simons, donde un grupo de esclavos se suicidó en 1803. Plantó formas de hormigón en los pantanos, cubriéndolos con una mezcla de arena, agua y cal que se utilizó en la construcción de plantaciones y viviendas de esclavos. Con el tiempo se agrietó y se hundió en el lodo, mientras que Buchanan documentó esta erosión en video.
Donald Judd
Aunque a menudo se le considera minimalista, las preocupaciones de Donald Judd se superponen con los principios fundamentales del Land Art. Le interesaba especialmente cómo se relacionaban una obra de arte y su entorno, considerando el espacio en sí mismo como clave de la obra.
Creado entre 1980 y 1984, su infame “15 Works in Concrete” presenta grandes cajas colocadas en el borde de su propiedad en Marfa, Texas.
Si bien todo este trabajo es diferente, lo que hace que el Land Art sea un poco difícil de precisar como género, una cosa que cada artista tiene en común es la apreciación del mundo que nos rodea. Toda obra llama la atención sobre el entorno en el que se encuentra y las condiciones en el momento de su creación. Nos invitan a abrirnos y ver realmente nuestro entorno. Al mismo tiempo que reconocen la naturaleza en constante cambio de nuestra tierra a medida que se dejan piezas para cambiar y desintegrarse con los elementos. Cada uno de estos artistas nos anima a ver las cosas un poco diferente y nos invita a ver el mundo natural como algo con lo que estamos en diálogo, una fuente de colaboración, no un espacio que dominamos.